2017年08月29日

感想:書の源流企画展「榊莫山と紫舟のシンフォニー(交響)」at奈良県立美術館

奈良市の町中では今も墨筆で描かれた古風な看板が沢山あり目を愉しませてくれます。そこでよく目にする「脱力系」の書。
かの東大寺も有名な南大門の石碑から二月堂などは、お子さまが揮毫したのかな?というような天真爛漫な書をお見かけいたします。
近隣の有名な寺院はどこも品格溢れる書に触れる事ができ、さすナラ(流石!奈良)町そのものが博物館!なのですが、これでいいのか東大寺?と思う方も少なくないかもしれませんね。
 
これらの個性的な書は、榊莫山(さかき ばくざん)先生によるものだと近年知りました。
ばくざん先生」として親しまれている前衛書道の大家、90年代中頃に宝酒造のCMなどでお茶の間にも知られたお方だったそうです。
常々そのお名前と、個性的な書と墨画、それに相応しい個性的なお人柄を見聞きしていたのですが、今回の奈良県立美術館の展覧会で、初めてその全貌を知る事になりました。

まずその代表作は「土!土!土!」土ひと文字を書き続けて20年。わたしのごとき素人には全部同じ「土」にみえるのですが…(´ω`)
文字の成り立ちである原初的な「土」のイメージをつかみ表そうと書き続けたという、なんだか土の匂いがするような力強く暖かな、絵のような書でした。
(おなじく「女」ひと文字も書き続けて20年だそうで…それって結構色っぽいお話しですなぁ)
そのほか日々の畑仕事の絵日記とでもいうような俳画?など、じつにほのぼの癒される画風なのですが。

ところがばくざん先生は、若いときに既に一流と認められ、前衛的な芸術家としての道を歩んだ方なのでした。
〜20歳代で書道界の最高賞を次々に受賞したが「集団を組むと堕落する。孤独でなければ見えるものが見えなくなる」と野に下った…
ということらしい。

そういえば、法隆寺 百済観音のイメージを「書」で表現したという作品は、品格があり前衛的でしびれるぐらいかっこいいものでした。
すっごーい!先生はゆるきゃらばかりではなかったんですねぇ。

…あいかわらず不遜な文章を綴っております、物を知らない若輩者ですので…申し訳ありません<(_ _)>

飄々としたイメージは、孤高の道をゆく気高さと表裏なのでしょうか、ばくざん先生が憧れたのは中国の文人や良寛など、世俗を嫌い天衣無縫に生き創作した人々のようです。
それが最も現れたキャラクターが、展覧会のメインイメージ画にもなった「寒山拾得」でしょうか。

寒山拾得S.jpg
※こちらは愚生の模写?であります

寒山拾得」(かんざんじっとく)世俗を超越した中国伝説上の二人の詩僧。
中国文化の画題として最も愛されてきた「キャラクター」なのだそうです。

牧谿の国宝「猿猴図」から派生した「おさるフレンズ」(by 永青文庫のおねえさん)といい、中世のお絵かきシーンにも有名なキャラが存在したのですね。

ところで、ばくざん先生の描くゆるーい線でどこまでも自由闊達な画にはとても心惹かれます。
いわゆる「上手いと褒められる絵」より「一見下手、だけど味がある」という絵に憧れを抱くのは、わたしがヘタウマ画を経験した昭和生まれだからでしょうか。
わたしも「上手く描けるようになりたい」という一心で描き続けているのですが「下手と思われたくない」という思いもなかなか捨てられません。

そんな未熟な私ですが…今回ばくざん先生の書画を拝見して思った事は、そもそも「ウマい・ヘタではない」
とらわれず、自由であることの豊かさ
きっとそういう事なのかな、とぼんやり考えました。

そして、紫舟さんの書彫刻、初めて拝見しました。
話には聞いていて想像していたものと、実際に体験したものはやはり違っていて新鮮な驚き…ぎりぎり文字、というのがおもしろかったです。
モデラー心がうずきました(´ω`)私もいつか墨絵を立体化してみたいものです。

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2017年08月22日

感想:生誕100年 長沢節展 at 弥生美術館

更新が随分と遅くなりました。春の東京レポート「ヲノヴォリ」編の最後です。

2017年4月、東京 弥生美術館で開催された「生誕100年 長沢節展ーデッサンの名手、セツ・モードセミナーのカリスマ校長ー」に行ってきました。

細くて、軽くて、弱いからこそ美しい−。
独特の美意識で流麗なイラストを描き、日本のファッション・イラストレーション界をけん引した長沢節(1917-1999)。
固定観念にとらわれないユニークな〈セツ美学〉は、ものの考え方、暮らし方全般にもおよび、主宰した美術学校セツ・モードセミナーでは多くの若者たちに感化を与えました。
長沢節の生誕100年を機に〈セツ美学〉の全貌に迫ります。
公式サイトより


東京文京区にある弥生美術館へは初めて訪れました。いつも興味深い展示を企画されていて関西にいながらも気になっていた美術館です。
まずは竹久夢二美術館で大正モダンの世界に浸りました。
折しもミュシャ展を堪能していたので、大正・昭和モダンに興味を深めているところです。

そして長沢節展へ。
ファッションに疎い私ですので、長沢節先生のことはこれまで存知あげませんでしたが、
人物クロッキーなどをやっていると、時折目にするものすごいかっこいい人物デッサン画がありまして、それが長沢節の描いたものだ、と噂はかねがね。
会場では生のデッサンが多数展示されていまして、ホントに見事な描写っぷり、特に線の心地よさに酔いしれました(´ω`)
ちなみに節先生は墨と筆で描く名手だったそうです。

おっと、それだけではありません、今回の目玉は「憧れの60年代」の東京ファッションショー(再現)を拝見する事でした。

「生誕100年 長沢節展」は4月23日で閉校するセツ・モードセミナーが公式で開催する最後の展覧会となり、約300点の作品に加えて、非公開とされてきた校内の写真が展示。
長沢節が1967年にプロデュースしたファッションショー「モノ・セックス・モード・ショウ」を再現。



■モノ・セックス・モード・ショウ

1967年、長沢節が開催した挑発的な試みが<モノセックスモードショウ>だ。
ガリガリに瘦せた細い男性にスカートを履かせ、半裸ともいえる状態の衣服を着たモデルが闊歩するファッションショーは世間の度肝を抜いた。
男女の区別なく、人体の細くて長くてごつごつした部分にセックスアピールを感じる自らの嗜好と、社会における男女差別やアメリカによるベトナム侵攻など、強者が弱者を圧する権威主義への反抗心から生み出された、長沢節らしいデモンストレーション…(展覧会のカタログ本より)


ね、実に60年代らしいパフォーマンスですよねぇ。

美術館のギャラリースペースを舞台としてショーは行われました。モデルさんが階上から降りてくる様は、発表当時のワシントン靴店銀座本店(当時世界最大級の靴店で、売り場にエスカレーターがあって話題になったとか)の雰囲気を再現したのでしょうか。
ショー音楽が無いのは節先生こだわりとも。そういったショーアップされない素朴さが新鮮でした(節先生が体験した昔のパリモードの雰囲気なのでしょうか)
今風の舞台や派手な音楽がなくても、モデルと服が格好良くて迫力があり、強くテーマが伝わってくる良いステージでした。

モノセックス=細くて弱いものこそが洗練された知性的な存在である
そこにこめられた「男らしさ」への批評。これは50年経っても通用するテーマだと感じます、というか未だに人の意識が大きく変わっていないことが問題ですね…。


その後、展覧会のカタログ本「長沢節 デッサンの名手、セツ・モードセミナーのカリスマ校長」(内田静枝編)をしっかり読みました。
美しいデッサン画の秘密は…人体美へのこだわり。その偏愛っぷりは男女わけへだてなく、ほぼフェティシズムの領域でちょっとビビりましたが 笑)なぜその人が美しく見えるのか、そのヒントが掴めた気がします。

そしてその絵以上に、かなりユニークというか魅力的な長沢節先生。枠に収まらない存在感がその語録や逸話から伝わって来ます。
有名なセツモードセミナーも、節先生と共に学ぶ私塾。それは絵のテクニックとかではなく、いってみれば「自由を尊ぶ精神」というような事だったのでは、と思ったり。

個人的には大正生まれの節先生の人生録〜故郷は会津若松・白虎隊失格の中学生の孤独・戦前の自由でリベラルな校風の文化学院・モダンボーイ・戦中下のダンスパーティー・戦後のアトリエ村池袋モンパルナス・戦後の空前の洋裁ブーム・水彩画家からスタイル画・ファッションイラストレーターへ・モードの都パリへ飛び込んでゆく話とか、興味深かったです。
50〜60年代の東京人のパリモードへの憧れはすさまじい。当時のファッションに関わる人々の情熱は激しかったのだなと。
日本が熱かった時代を想像してみました。

setsu.jpg
こちらは向学の為、節先生のデッサンを模写したものです。


以上、東京レポート「ヲノヴォリ」編でした。
感想:ミュシャ展 at国立新美術館
→感想:大エルミタージュ美術館展 at森アーツセンターギャラリー
感想:すみだ北斎美術館

■最近の事
blogも随分間が空いてしまいましたが、こつこつと更新していきますので、どうぞよろしく。
Deers Nara StudioのCloseに伴い「月与志のカルチャー夜話」は只今充電休止中でございます。
2017年は、秋の正倉院展に向けて、墨絵Artてぬぐいシリーズの充実を目指し、力を入れております。
そんな折、水墨画マイブームです。特に中国水墨画は本当に凄い(いまさらですが)今年は西洋絵画に目を向けると言いながら早速方向転換という 笑)
以前のようにダイレクトに「今」をお伝え出来ないのは残念ですが、長い目で見ていてくだされば幸いです。

2017年 晩夏

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2017年05月10日

感想:ミュシャ展 at国立新美術館

国立新美術館で開催中、アルフォンス・ミュシャ晩年の代表作「スラヴ叙事詩」来日で大変話題になっているミュシャ展の感想レポートです。
前回の記事でも書きましたが、この展覧会はミュシャの故郷チェコとその民族の歴史を描いた壁画のような超大作全二十点の展示がメイン。
鑑賞というよりは、まるで長編映画か演劇を観たかのような不思議な体験でした。

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アルフォンス・ミュシャといえば、アールヌーヴォーを代表する優美で神秘的な作風のイラストレーションで知られていますが、晩年は重厚な絵画作品を残しており、とくに「スラヴ叙事詩」は、まずお目に掛かることはできなかった作品群。
私もいてもたってもいられず、東京は六本木の国立新美術館まで早速、体験しに行って参りました。

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実は日本には世界でも有数のミュシャコレクション(堺市のドイコレクション)があり、ミュシャのグラフィックアート作品を観る機会は多いようですが、「スラヴ叙事詩」を鑑賞できる機会はそう多くはありません(今回の日本が初の海外出展だそうです)
あと一ヶ月、まだの方はぜひ本物に触れてみましょう。私は一生の語りぐさにしますw
ミュシャ展(国立新美術館・2017年6月5日まで)

<これから鑑賞される方へアドバイス>
・激しく混雑しそうですので、チケットは事前準備で行列を回避しましょう。
・絵そのものが巨大です、双眼or単眼鏡があれば便利でしょう。
・音声ガイドが用意されています。会場で絵の内容を理解する為には必要かもしれません。

私はほぼ一日展示会場にいたのですが、「スラヴ叙事詩」の圧倒的な世界にくらくらきました。
「スラヴ叙事詩」も、ミュシャの非常に美しい感性が現れた、神秘的で劇的な絵画なのですが、それを上回るテーマの重さといいますか、描かれたスラブ民族の歴史、人々の争いの歴史、繰り返されてきた悲劇…その重さが圧倒的に迫ってくるものでした。

備え付けの図録を読んだり、映像コーナー(ミュシャの生涯を解説)を利用したりして、適度に休みながらがよいかもしれません。
また「スラヴ叙事詩」のうちの数点を撮影することが可能なコーナーもありました。
※アップした写真はこちらのコーナーのものです

ありがたいことにミュシャのアールヌーヴォ時代の代表作も同時に展示されていて、有名なグラフィックアート作品や、サラ・ベルナールのポスターなど拝見できました。
その他様々な媒体にミュシャアートが展開されていて、小さな挿絵にいたるまで非常に完成度が高かったです。
ミュシャが時代を超えて今でも人気がある理由はこれらを見ればよくわかりますね。

非常に美しい図録、定番のグッズもありましたよ。

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では、私なりのミュシャと「スラヴ叙事詩」のお話しをいたしましょう。

■大きい!
まずなんといっても大きいです。洋画でも(テンペラ・油彩だそうです)ここまで巨大な連作は稀ではないでしょうか?
最大6×8メートルもあります。現物を体験しておきたい最大の理由がこれです。
巨大なキャンヴァスに沢山の人物が一人一人リアルに描き込まれています。手前にいる人物などはほぼ実寸大。絵の前に立つと、まるで現実に風景を目の当たりにしているかのようです。

ミュシャがほぼ一人で、16年かけて20枚を描きあげたそうです(1枚のみ未完とされています)城を改装した広いアトリエで、ハシゴに登って描いたとか。
なぜこんな巨大なサイズになったのか?そこにミュシャの作家としての並々ならぬ想いがある気がいたします。

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■ミュシャが演出したステージ
リアルでありながら、巨大な人物(神を表している?)や、宙に浮かぶ人物などが登場し、やや幻想的な作品もありましたので、私は「まるで劇場の舞台を観ているようだ」と感じました。
美しいライティングで浮かびがった役者達がいきいきと語り、動き出しそうな、ドラマティックな劇伴が聞こえてきそうな、まるで美しい歴史群衆劇の一場面を観ているような体験です。
時折、絵の中の人物の強い視線に気づくときがあります。キャンヴァスに描かれたステージから一歩こちら側(鑑賞する我々)に降りて来ている感じがする人物もいました。まるでステージから演者が突然語りかけてきた時のような感じ。
ミュシャのキャリアを調べてみると、生涯を通して「演劇」と深い関わりがあったようですので、この直感はわりと自信があるのですが、いかがでしょう?
スラヴ民族の歴史という大きなストーリーを考え、ステージを演出し、チェコの村人がキャストとして市井の人々を演じた、スラヴ叙事詩とはそんな作品だったのではないでしょうか。

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■これはミュシャの絵なの?
一般的に知られているミュシャ作品の、アールヌーヴォーの優美なイメージとはかけ離れた、まるで別人のような絵画作品に驚かれる方も多いと思います。
ミュシャのアールヌーヴォー時代の作品は、30代の頃パリで制作されました。
演劇や商品の広告物や挿絵といった商業美術、グラフィックアートと呼ばれたリトグラフ作品など、現代でいうグラフィックデザインですね。
制作期間も短く、複製品なので絵画より比較的安価に流通した商品。人気=売れる事も重要でした。

一方「スラヴ叙事詩」は、ミュシャが後半生(50代以降)に一大決心して描いた油彩画。
民族の歴史を象徴的に描くという明確なテーマを自身で構想し、パトロンを見つけ、制作期間は構想含めおよそ20年。
プラハ市に寄贈する前提で制作されたので、いわゆるプライスレス
画題に歴史的事件や宗教戦争なども含まれるため、重厚な内容。

比較してみると、こういった違いがあります。
作風の違いは、単に技術の向上だけではない、絵を描く事に対するミュシャの姿勢の変化が表れてれているように思います。


■芸術家の使命
芸術の都パリでアールヌーヴォーの旗手と認められ、時の人となった30代のミュシャですが、心中は色々複雑な思いがあったのかもしれません。
青年時代のミュシャは芸術を学んでいたボヘミアン(芸術志向の放浪者)でした。貴族の後援を得てウィーンやミュンヘンで学び、パリへ出た所で援助を打ち切られ、稼ぐための商業美術の仕事をはじめました。
そんな中、パリで新しく興隆していたアールヌーヴォー様式に乗った演劇ポスターで注目を集める存在になり、成功したものの仕事に忙殺される日々。
転機は、パリ万博の仕事がきっかけで、スラブ民族の歴史を取材した事、そしてチェコの民族音楽運動の推進者・スメタナの交響曲「わが祖国」(モルダウで有名)を聞いて感銘を受けた事と伝わります。
当時、ミュシャの故郷ボヘミアを支配していた勢力が弱まり、東欧各地に民族独立の機運が高まっていました。その流れの中、芸術家として出来る事=使命をミュシャは見い出し、奮起したのではないでしょうか。
パリを離れ、故郷に帰ったミュシャ(フランスの発音)はムハ(チェコでの発音)となり、以後は祖国のための仕事に専念することになります。

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■ミュシャが描きたかったもの
今回、ミュシャに関するTV番組(展覧会後援はNHK)を拝見し、書籍も読みましたが、東欧の歴史、チェコやスラブ民族の歴史は非常に複雑で、簡単に理解出来るものではありませんでした。
「スラヴ叙事詩」は、民族の歴史をテーマに描いているので、この辺りが分からないとどうにも歯がゆいのですが、ガイドを聞いたり図録など読んでも中々難しかったです。
せめてこの巨大な絵画のもたらす経験を感じとろうとした訳ですが、これら絵画には、歴史的背景を共有できなくても伝わってくる普遍的な感動が確かにありました。
それが、100年を経た「スラヴ叙事詩」に今ある価値ではないかと思います。

歴史的な背景を調べますと「スラヴ叙事詩」は、民族の連帯と独立の為にミュシャが構想した物語で、チェコの独立やその後の政治的な状況の移り変わりの中で、その価値は時代にそぐわないものになっていったようです。
(戦後、古城に秘匿され日の目を見なかった時期が長かったのもその辺りに原因があるようです)一部の人々に批判をうけても、それでもミュシャが情熱的に最後まで描きあげたのは、それが単に政治的な思惑の産物だったからではなく、普遍的な命題を描いた「芸術」作品だったからではないでしょうか。

後半生を費やしてやり遂げる価値の在るもの、世間の評価も批判も関係なく、自身が信じた「芸術」を後世に残したい、ミュシャがそう考えて描ききった作品だと私は思います。

ミュシャ後S.jpg

いつものごとく番組でもミュシャのお話しをしました。中々上手くまとめられませんでしたが、またよろしければアーカイブ(未)をあげますのでご覧下さい。

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